LA POESÍA EXPRESADA EN LA ESCULTURA DE ERNESTO CARDENAL.

LA POESÍA EXPRESADA EN LA ESCULTURA DE ERNESTO CARDENAL.: "

"AL PERDERTE YO A TI"

Al perderte yo a ti tú y yo hemos perdido:
yo porque tú eras lo que yo más amaba
y tú porque yo era el que te amaba más.
Pero de nosotros dos tú pierdes más que yo:
porque yo podré amar a otras como te amaba a ti
pero a ti no te ama

La escultura de Ernesto Cardenal

Ernesto Cardenal no sólo es el gran poeta de los Salmos y la Oración por Marilyn Monroe. El poeta y sacerdorte cantor de la Liberación Nacional e inspirado intérprete del pasado indígena americano, es también un destacado escultor, cuya obra brillante e impecable enriquece el panorama de nuestras artes plásticas que, sobre todo en la pintura, goza ya del prestigio y reconocimiento nacional que ha tenido la poesía.
Es evidente que la fama extraordinaria de Cardenal como poeta ha hecho pasar prácticamente desapercibida su obra plástica, perdiendo de vista al público su personal trayectoria, sus fases, su evolución, su ubicación en la tradición escultórica nacional. Justo es decir que ésta apenas existe (Edith Gron —1919, Fernando Saravia— 1922, ambos discípulos del maestro Genaro Amador Lira 1910-1983) y que, como se puede comprobar, no ha producido ningún movimiento o tendencia que se inscriba en la modernidad.
Figura solitaria en nuestra plástica, después de más de 30 años de dedicación constante, Cardenal es el primer escultor moderno del país, por no decir el primer escultor a secas. "Si Cardenal no hubiera sido poeta", dice Julio Valle-Castillo, "si no hubiera escrito uno sólo de los versos de sus poemas, bastaría su producción de escultor para avalar su nombre de artista".
Ya en 1956 y 1957, antes de su crucial experiencia mística de Gethsemaní (Kentucky), Cardenal había expuesto sus obras en la Galería de la Unión Panamericana de Washington, llamando la atención del crítico Gómez Sicre quien se refería a sus "ingeniosas simplificaciones". Esta simplificación de la forma, elemento fundamental de la escultura cardenaliana, es producto de una búsqueda de la pureza, de la esencialidad del objeto estético. El escultor Cardenal procede como el poeta exteriorista que es: un espíritu atento a la desnudez de la cosa, al dato que percibe directamente (sin intermediarios ni retórica figurativa) la mirada.
un escultor cuya concepción estética viene de Brancusi pero que nutre su espíritu de la vivencia americana, popular e indígena: ahí están su figuras de animales típicos de la fauna nicaragüense, es especial la de Solentiname y el Gran Lago (garza, tucán, pato de chancho, iguana, cusuco, tigrillo, pez espada, zanate), así como sus cristos y monjes suidos en el silencio de la humildad y la resurrección. Un arte primitivo y a la vez moderno. Una expresión legítima del Nuevo Mundo aún por descubrir.rán como te amaba yo.Este es un pequeño tributo para un gran humanista cuya expresión de inspiración a cultivado niveles inalcanzable en en mundo de la poesía como escultura, tanto dentro y fuera de nicaragua. LIC: RENE DAVILA."

LA NEBULOSA DE MI FIRMAMENTO.

LA NEBULOSA DE MI FIRMAMENTO.: " Con la penumbra de la noche y una atmósfera del deber cumplido en el día bostezo como una locomotora pido vértigos de energía,para alimentar mi alma como corazon visualizando la víspera del nuevo día,es ahí donde mis neuronas me impactan con tu imagen siendo tu mi fuente como fortaleza que de la mano me indica la bitácora del nuevo día.La aurora me revienta con calidez y susurro en mi piel que cada día envejece,siendo un bálsamo de mis angustias así como de mis pesadumbres, indicándome lo maravilloso que es la abrir los ojos por la voluntad del señor y que sobre mi siempre anda un lazarillo que me señala con candidez que no estoy solo que tormentas positivas de tomas de decisiones que tome,tienen la certificación del señor de las naciones siendo ella un emisario del señor que me cubre y me proteje de todo mal de mi contexto.En mis horas de sosiego cuando siento que ya no circula sangra por mis venas donde entro en crisis de impotencia , ahí esta la mano y la sombra de ella,quien me atiborra mis músculos como pensamiento de que el cielo es un grano de arena como el huevo del zorzal, y que la menor articulación de mi mano puede vencer a golia así como al mar de vering, proporcionándome ciclones de energías como de pensamientos saliendo siempre de tormentas tenebrosas, maléficas como tentadoras.En mis noches de locuras solitarias busco en el olimpo de seus a la musa de corte que me acompaña en mi vida, subo a la cúspide me cobija en su rezago y perfumada como el sándalo desahogo mis instintos amorosos aunque de forma etérea,siento la llama de su incienso el cual comparte conmigo en momentos de lujuria los cuales siento que materializo aunque no este conmigo.Pensar en la eternidad no me quita el sueño ni la pesadumbre,ya que mi eternidad la vivo con ella,ella es fuente, belleza, energía,norte,familia,mi lazarillo que martilla con sones de primavera mi existencia como todo lo que me rodea siendo un agujero negro que me atrapa consciente mente.Aveces siento que mi existir se hace mil pedazos lentamente,que todo lo que me rodea pulula alrededor de ella quien con delicadeza toma mis partes y como un rompecabezas las une diciéndome en el oído con un tono primaveral,adelante como la aurora del nuevo día con lucidez y cantos de vida se vencen las adversidades siendo ahí donde trasciende infinitamente la importancia de ella en mis células como en mi existir.Golpeo con tozudez a las adversidades del amanecer,las alejo como malos augurios de mi rutina diaria,el goteo de corrientes de sabidurías como toma de senderos es una parte de ella en mi, lo que llena de armonía y felicidad mi vida.Las pesadumbres y elucubraciones de orco,se alejan de mi y con cánticos de arco iris,amor y felicidad enfrento los retos vivencia les de cada nuevo dia en este universo que cada dia languidece.Tridimensionando el espacio como tiempo y haciendo añicos como violentando las leyes de la relatividad,puedo asegurar que ella es:existencia,letra,palabra,verbo,frase, oración,soneto en fin un espacio infinito en mi via láctea.Ella es artemisa en mi vida y con el arco siempre puntual,liquida intentos de males augurios potenciales que entorpezcan el desarrollo de mis sueños de otños ,pringados con la ternura del ruiseñor compañero de la alondra de luz por la mañana."
LIC.RENE DAVILA / 30050011

PINTURAS ABSTRACTA DEL MAXIMO PINTOR NICARAGUENSE ARMANDO MORALES.

PINTURAS ABSTRACTA DEL MAXIMO PINTOR NICARAGUENSE ARMANDO MORALES.: " GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ SOBRE ARMANDO MORALES

Llegó a las cinco en punto. Eso, entre jóvenes, es una virtud rara. Pero en el curso de nuestras largas conversaciones en mi casa de México habría de descubrir que Armando Morales era dueño de otras virtudes sobrenaturales. Llevaba un traje de lino color de trigo y una corbata alegre, y todo él tenía un aire de artista despistado que no se conciliaba con su maletín de agente de comercio. Pocos días antes me había escrito una carta con una posdatita: "Vivamos mucho, no andemos muriéndonos tanto".

Tenía deseos de encontrarlo y saber cómo era, desde que vi por primera vez un cuadro suyo entre los Zurbaranes inciertos y los Andy Warhols de feria de una mansión de millonarios. Era una corrida de toros, cuyos protagonistas no parecían pintados en el lienzo sino talladas en plomo. Y sin embargo, el cuadro tenía el dramatismo de esplendor y de muerte de la fiesta brava.

"Caray", me dije. "Este hombre no le tiene miedo a nada".

En los años siguientes tuve ocasiones de sobra para confirmarlo, pues encontraba cuadros suyos donde menos lo pensaba, con esa recurrencia mágica con que uno vuelve a encontrar varias veces en un mismo día a una antigua novia que no había visto durante mucho tiempo. Vi mujeres fugitivas de los Evangelios, rocallosas y sin rostros, que se bañaban en templos inundados, selvas enrarecidas por el olvido, suertes de tauromaquia petrificadas por el terror.

Vi a la muy antigua y noble ciudad de Granada , la de Nicaragua, repartida a pedazos en cuadros numerosos, en calles sin rumbo, perros rupestres, un coche de caballos sin control con el auriga muerto en el pescante, y su lago temperamental con ínfulas oceánicas, su lago una vez y otra vez, su lago inevitable, como un fantasma agazapado a la vuelta de cada esquina: su lago siempre.

Pues Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que sólo él conoce, y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo.

Ha viajado por todo el mundo, ha vivido y pintado con su inventiva sedienta en la manigua de Nueva York, en la metrópoli de la Amazonia, en Paris con amor, en Londres sin ti, pero a todo el mundo lo ha visto con sus ojos de granadino impenitente. Tiene un cuadro de San Giorgio Maggiore, en Venecia, con su campanario y su vaporcito de Vivaldi, pero sus sombras diagonales y sus aguas encrespadas siguen siendo las mismas. Así es: sus desafueros creativos; se delatan a sí mismos de inmediato por una misma seña de identidad: el vasto silencio de sus cuadros, alumbrados aún a pleno día por la luna llena de Granada.

Sólo después de conversar con él durante muchas horas, en nuestras dilatadas tardes México, entendí que Armando Morales no le tuviera miedo a nada. Más aún: me pregunté si hubiera sido pintor de no haber nacido y crecido en Nicaragua, y si sus cuadros hubieran sido posibles en una realidad distinta de la fantasmagórica de su patria de endriagos y guerreros, de aguaceros inmemoriales y despelotes de amor, donde la iguana y el armadillo son platos nacionales, y donde estuvieron casi al mismo tiempo un aventurero gringo que se coronó emperador, y don Rubén Darío , uno de los grandes poetas de este mundo.

Por fortuna nacoysecrir5allí, dentro de sus propios cuadros, bajo el signo ineluctable de Capricornio. Su infancia es un modelo ejemplar de¡ poder de la vocación, se formó solo, y lo puede probar ante los tribunales, pues aun conserva en sus archivos el primer dibujo que hizo a los tres años. Es un barco pintado con lápices de colores en el dorso de una tarjeta postal que su padre mandó de Alemania cuando se fue a comprarlo que sólo un nicaragüense de 1920 podía comprar en Alemania: una fábrica de ladrillos. Pues bien: en ese dibujo prehistórico se vislumbra ya el resplandor de esa luna errante que ha hecho de Armando Morales uno de los grandes pintores de este siglo moribundo.

Su recuerdo más antiguo es el trimotor anfibio que pasaba rugiendo como un tigre de papel sobre el gran Lago embravecido, a lo largo de los años en la Armada de los Estados Unidos ocupó el país. El cree quede ahí le viene su terror de volar, que tantos compartimos, y alguna vez trató de conjurarlo con una cura de burro: volando sobre la Amazonía le pidió al piloto que le hiciera las indicaciones básicas, y tomó el mando de¡ avión.

los gérmenes de su mundo lunar estaban inclusive dentro de la propia familia, Su abuelo paterno, el doctor José María Morales, se había hecho médico en Alemania, pero jamás logró que sus clientes de Granada le pagaran con dinero. Le pagaban con gallinas, tabacos, cerdos, calabazas, y aún con una vaca descarriada en e¡ más grave de los casos. Al doctor Morales le parecía justo.

"No más faltaba ?decía? que además de estar enfermos tuvieran que pagar".

Bautizó a sus cinco hijos con nombres que empezaban con las cinco vocales en orden: Adán, Evangelina, Ismael, Orlando y Ulises. Todos vivieron largos años, y tuvieron la decencia de morirse como habían nacido: por orden alfabético. El primero, don Adán Morales, fue el padre de¡ pintor.

Su hermana mayor, Lillian, quien realidad se llamaba Edna María Victoria, era una dama de las de antes, que se vestía para las visitas de los domingos con trajes de muselina y sombrero de organza, y entretenía las horas muertas de las siestas ajenas pintando flores al óleo en pañuelos para decir adioses. Años más tarde, Armando Morales encontró su recado de pintar entre los cachivaches olvidados de un baúl oloroso a sándalo y naftalina, rescató los tubos de colores y los frascos de trementina, y con ellos pintó sus primeros cuadros al óleo. Pintaba todo lo que veía, todo lo que recordaba, todo lo que quería, pues desde entonces parecía convencido de que todo lo que sucede en la vida es digno de ser pintado.

Su padre, como todos los padres, quería que heredara el negocio familiar, que muy al modo de la familia era al mismo tiempo farmacia y ferretería, y lo estimulaba más hacia las matemáticas y las ciencias que hacia las buenas artes. Armando Morales no lo contradijo nunca. Siguió dibujando durante las clases a espaldas de los maestros, y aprobaba los exámenes de álgebra y de química con las respuestas copiadas de sus vecinos. Lo que no supo hasta muchos años después, fue que su padre vigilaba con ilusiones inconfesables el encarnizamiento de su vocación, y sin que él lo supiera coleccionó durante años sus dibujos de niño, disimulados dentro del libro de contabilidad de la ferrofarmacia.

Fue un triunfo de la tozudez de ambos. Cuando se abrió la primera escuela de Bellas Artes en Managua, Armando Morales fue el primer alumno. No sólo porque se inscribió antes que nadie y fue el más destacado, sino porque fue el único que llegó puntual a la primera clase del primer día: a las cuatro en punto. El maestro era don Augusto Fernández, un refugiado de la guerra civil española que acabo de vivir hace pocos años en México y dejó inéditas y sin destino más de doscientas ilustraciones de El Quijote. El sueño de Armando Morales en aquel tiempo era irse para Nueva York a hacer un curso de perspectiva que duraba cinco años.

"El maestro Fernández dice ahora, muerto de risa me la enseñó desde el primer día mientras llegaban los otros alumnos en una hora". Entonces tenía veinte años y sólo le hacían falta los recursos técnicos, Portu ya llevaba dentro para siempre e¡ plenilunio de Granada. Conocía la pintura de los grandes maestros en reproducciones de libros, pero no había visto ninguno en carne viva. La primera vez que lo vio fue en una exposición (de pintores latinoamericanos en Managua. Allí se hallaban los más grandes: Tamayo, Portinari, Roberto Matta y Wilfredo Lam, y obras de caballete de los muralistas mexicanos que por aquellos días estremecían al mundo.

La sorpresa de Armando Morales a primera vista fue que todos eran idénticos a como los había imaginado. Tal como le había ocurrido con su primer cuadro de toreros, que copió del respaldo de una baraja española cinco años antes de que viera en el Perú, por primera vez en su vida, una corrida de toros. Permaneció muchas horas frente a cada cuadro, durante todo el tiempo que duró la exposición, escudriñando la malicia de la textura, desentrañando los secretos de su maestría, el misterio de su eternidad, y vio que todo era como él creía haberlo inventado en su soledad de Granada. Sólo entonces, sin haber salido nunca de Nicaragua, se atrevió a mandar un cuadro a la Segunda Bienal Hispanoamericana de Arte de la Habana, en 1954, y se ganó su primer premio. En ese cuadro era ya evidente que aquel joven compatriota de Rubén Darío, con el mundo iluminado por su luna personal, no le tenía miedo a nada. Salvo a los aviones, por supuesto.

GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ
(Cartagena de Indias, agosto 1992)
Premio Nóbel de Literatura, 1982"

LA BELLEZA DEL DIBUJO CON PLUMILLA EXPRESADO EN TINTA CHINA Y EL GRAFITO .

LA BELLEZA DEL DIBUJO CON PLUMILLA EXPRESADO EN TINTA CHINA Y EL GRAFITO .: " Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres.

También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.
INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS. Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos.
Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite.Despues de leer este blogs pueden disfrutar de una serie de dibujos en este mismo blogs de grandes hombres talentosos que cultivaron este arte. LIC: RENE DAVILA."

EL ARTE Y ESTÉTICA TRIDIMENSIONAL DE LA ESCULTURA

DAVID DE MIGUEL ANGEL

EL ARTE Y ESTÉTICA TRIDIMENSIONAL DE LA ESCULTURA: 

En la esfera de la expresión humana que denominamos creación artística,la actividad

específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres
dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.
El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la escultura.
Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo, Miguel Ángel), un escultor
es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Por consiguiente, esculpir
o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque, de material sólido,
que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo manifestaban dichos escritores para poner
de relieve el contraste entre escultura y pintura, ya que esta última consiste, por el contrario, en
añadir.
En la eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata de una
operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del claustro en que está
recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse del oficio. Un escultor que
no haya previsto cabalmente la imagen que desea expresar puede, con todo, llevar a cabo una
escultura, pero el resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la inversa, de poco le servirá
la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto artístico.
Pero también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el
pintor, agrega, valiéndose de un material blando (cera, arcilla, yeso). El modelado pertenece,
pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por
lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la
marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy,
sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se
considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.
Ahora bien, el modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un
procedimiento auxiliar de la escultura. En efecto, el escultor que quita materia no puede operar
valiéndose únicamente de la memoria; ha de tener a la vista un modelo. No es más que un
punto de referencia, pero no puede prescindir de él si desea evitar errores irreparables. El
modelo es parte del proceso que lleva a la idea final.
El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista
podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos
de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo.
Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el
material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un
molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura.La escultura a sido una necesidad del hombre de expresar sus sentimientos y el comportamiento de la naturaleza como de la vidal desde tiempos antiguos.les dejo en este mismo blogs la oportunidad de apreciar esculturas de grandes hombres de talento maravilloso. LIC: RENE DAVILA."

EL ARTE DEL GRAFFITI.

EL ARTE DEL GRAFFITI.: "
lA palabra "graffiti" tiene sus orígenes en la palabra griega graphein que significa escribir. Esto evolucionó en la palabra latina graffito. Graffiti es la forma plural de graffito.

Cuándo empezó el grafitti? Pues la historia moderna de graffiti se remonta a los años 60 cuando empezó en Nueva York, influído por la música hip-hop. Los primeros artistas de graffiti se dedicaban a firmas, y vivían y pintaban en Nueva York.

Uno de los primeras artistas de graffiti firmaba TAKI 183 y fue entrevistado por el New York Times en 1971. Su nombre verdadero era Demetrius y era un joven griego que trabajaba como mensajero en Nueva York. Pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba documentos y paquetes. Se hizo famoso y muchos jóvenes empezaron a imitarle y a buscar sitios cada vez más difíciles y llamativos donde dejar su firma. Tal vez el nombre TAKER que se utiliza para los rotuladores gruesas de tinta permanente utilizadas por los grafiteros tiene su orígen en la primera firma de graffiti conocida, TAKI 183.

Pronto, cientos de jóvenes en Nueva York, especialmente aquellos atraídos por la música rap y hip hop, empezaron a firmar por toda la ciudad, tanto que las autoridades tuvieron que gastar más de $300.000 (es decir 80.000 horas laborables) en la limpieza del metro. El objetivo de estos primeros graffiteros era dejar su firma en el máximo numero de sitios posibles. Ganaban fama, dentro de los círculos de graffiteros, según el número de firmas y según los sitios en los que lograban firmar. Cuánto más peligroso, más estatus.

Paralelamente, Keith Haring un artista, empezó a pintar sus dibujos en sitios públicos, primero pegando posters y luego pintando directamente sobre muros y los paredes de los metros de Nueva York.
Poco a poco el graffiti callejero, inspirándose en los diseños de Haring, se iba incorporando en la cultura Hip Hop, rap y break dancing y empezó a extenderse a otros países. Tuvo su momento más fuerte durante los setenta, pero luego empezó a perder popularidad. Pero hace una década una de las cadenas nacionales más populares de los Estados Unidos emitió un programa de televisión sobre el graffiti y de repente volvieron a aparecer firmas y arte graffitero no solo por los Estados Unidos, sino por sitios urbanos en todo el mundo y sobre todo en ciudades europeas.En este mismo blogs les aconsejo ver una serie de fotografías de graffiti bien interesantes. LIC: RENE DAVILA.

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HONOR Y GLORIA AL PADRE DEL MODERNISMO EN SUS 95 AÑOS DE PARTIR A LOS PARNASOS.

HONOR Y GLORIA AL PADRE DEL MODERNISMO EN SUS 95 AÑOS DE PARTIR A LOS PARNASOS.: " Félix Rubén García Sarmiento, mejor conocido como Rubén Darío, nació en Metapa, Nicaragua, el 18 de enero de 1867, y fue uno de los poetas más reconocidos de la historia, siendo considerado el máximo representante del Modernismo literario en castellano.

Hijo de Manuel Darío y Josefa Sarmiento, sus padres se separaron poco después de haberlo concebido, por lo que Rubén Darío se crió con su abuela Bernarda en León. Dicho lugar fue siempre para él su tierra natal.

En el año 1881, siendo aún muy joven, fue presentado por su abuela en Managua, en donde rápidamente se descubrió su talento para la poesía y las artes, debido a que combinaba todas las virtudes que se requería para ser un verdadero escritor, pues era muy creativo, recitaba sus poesías, era realmente memorioso, y además, leía a poetas franceses, lo que hizo que éstos se interesaran en el trabajo del joven abriéndole las puertas del viejo continente.

En el año 1886 partió hacia Chile, en donde publicó varios libros: "Abrojos", "Azul…", "Canto épico a las gloria de Chile" y "Rimas".

En el año 1891, luego de su regreso a su país de origen, formó matrimonio con Rafaela Contreras, con quien tuvo un hijo. Pero la felicidad de la pareja se deterioró dos años más tarde debido a la muerte de Rafaela, por lo que el poeta viajó hacia Madrid, en donde conoció a Francisca Sánchez, con quien se casó y tuvo un nuevo hijo. Junto a su amada esposa, compartió el resto de su vida.

En 1892, comenzó a viajar rutinariamente en representación de su país por las celebraciones del IV centenario del descubrimiento de América. Fue por esta razón que recorrió varios países como Estados Unidos, Chile, Francia y Argentina, en donde trabajó de cónsul y embajador. Una vez radicado en la Argentina, colaboró con el diario "La Nación", en donde fue el encargado de gestionar varias secciones del mismo. Gracias a su trabajo en el periódico, volvió a viajar a España como corresponsal en el año 1898.

Un tiempo después, decidió visitar Francia, el país de la poesía, en donde tuvo muchísimo éxito gracias a sus escritos, pues sus capacidades para la poesía y su creatividad dejaron un sello imborrable en los aristas de toda la Capital.

En la obra de Rubén Darío se destacan, por sobre todo, las imágenes exóticas, las metáforas, los simbolismos y las figuras retóricas, que le dan su marca personal a cada una de sus obras, razón por la cual fue nombrado por sus colegas como "El padre del Modernismo".

En su poesía, el artista consigue abarcar todos los gustos y sentimientos que existían en el aire de su época, expresados de una forma realmente refinada y con una elevada cultura, en donde nunca faltaron los elementos decorativos y las resonancias musicales. Sus temas preferidos para redactar fueron el amor y la naturaleza, y a través de ellos buscaba reestablecer, por un lado, el orden y la armonía, y por el otro, el caos total. Además, tuvo mucho compromiso político-social, por lo que dejó bien en claro su ideología cada vez que tuvo la oportunidad.

Entre sus libros de poesías, se pueden encontrar "Las Prosas profanas y otros poemas", "Cantos de vida y esperanza. Los cisnes y otros poemas", "Oda a Mitre", "El canto errante", "Poema del otoño y otros poemas", "Canto a la Argentina y otros poemas" y "Lira póstuma". Por otro lado, también fue un destacado escritor de prosa, con la que demostró su talento en obras como: "Los raros", "España contemporánea", "Peregrinaciones", "La caravana pasa", "Tierras solares", "Opiniones", "La isla de oro" y "La vida de Rubén Darío escrita por él mismo", entre otras.

En el año 1915, luego del estallido de la Primera Guerra Mundial, Rubén Darío abandonó Europa para permanecer sus últimos días en su tierra natal, pues sus problemas debido al exceso de alcohol lo desgastaron hasta que el 6 de febrero de 1916 falleció en León.En este mismo blogs os dejo una serie de fotografias hechas poesias,por el mayor representante del eslabon de la poesia modernista quien en la inmortalida tiene el cello de los dioses del olimpo. Disfruten las fotografias darianas. LIC:RENE DAVILA."

FOTOGRAFIA CON TRAZOS DE ACUARELA

FOTOGRAFIA CON TRAZOS DE ACUARELA: "
La acuarela (Watercolour o watercolor, en inglés) es una técnica de dibujo con pincel basada en el uso de compuestos de pigmentos secos ligados con goma arábiga y solubles en agua. Las acuarelas se usan mojando el pincel con agua y pasándolo después sobre las pastillase secas de acuarela, que sueltan el pigmento.

Una de las características más obvias de los trabajos al acuarela es que las pinceladas son semitransparentes, por lo que siempre se ve lo que había debajo, incluidas pinceladas anteriores. Por eso requiere una ejecución segura, ya que cualquier trazo se deja ver. Por lo mismo es una técnica muy agradecida al trazo firme y suelto.

El término "acuarela" se emplea para distinguir específicamente este tipo de pintura transparente de todos los medios opacos, como el guache o la caseína.

Si el material aglutinante y el pigmento están combinados en la proporción correcta, las acuarelas pueden diluirse hasta donde se desee con agua y siguen adhiriéndose perfectamente al papel. Esta propiedad da lugar a la técnica "pura" de la acuarela (también conocida como "método inglés") que se basa en el sistema de pigmentación por veladuras transparentes y que utiliza el blanco del papel para todos los tonos blancos y claros. A diferencia de casi todos los demás métodos de pintura, la acuarela se asemeja más a un tinte que a una capa o película continua de pintura.

Cuando se usan colores permanentes sobre papel de acuarela (puro de trapos) y se mantiene la obra en condiciones normales de conservación, la técnica es tan permanente como la que más.La belleza y el frescor de la pintura de acuarela es signo de distincion de la naturaleza,vida,luz y el alma plasmada en los lienzos. En este blog tienen la posibilidad de disfrutar de la fotografia de grandes pinturas de acuarela. LIC:RENEDAVILA"

EL IMPRESIONISMO EN SU ENÉSIMA POTENCIA CON SU PRECURSOR PAÚL CESANNE.

EL IMPRESIONISMO EN SU ENÉSIMA POTENCIA CON SU PRECURSOR PAÚL CESANNE.: " [IMGRIGHT=http://files.myopera.com/osirismel Considerado el padre del arte moderno. Intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico abstracto. Entre todos los artistas de su tiempo, Cézanne tal vez sea el que ha ejercido una influencia más profunda en el arte del siglo XX (Henri Matisse admiraba su utilización del color y Pablo Picasso, desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista). Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Estaba distanciado incluso de su familia, que tachaba su comportamiento de extraño y no apreciaba el carácter revolucionario de su arte. Cézanne nació el 19 de enero de 1839 en la ciudad de Aix-en-Provence, en el sur de Francia. Su padre era un banquero acaudalado. Fue amigo de infancia de Émile Zola y, al igual que éste, manifestó interés por el arte desde muy joven para disgusto de su padre. En 1862, después de una serie de encarnizadas discusiones familiares, el aspirante a artista recibió una pequeña asignación y fue enviado a estudiar arte a París, hacia donde ya había partido Zola. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras que la mayoría de sus contemporáneos encontraban chocantes tanto por su estilo como por su temática. Muchas de las primeras obras de Cézanne estaban pintadas con pigmentos espesos y en tonos oscuros que recordaban al expresionismo romántico y melancólico de generaciones anteriores. Sin embargo, al igual que Zola en su empeño por desarrollar una narrativa realista, también Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, quería pintar el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.
La influencia más significativa en los comienzos de su madurez artística fue la de Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Pissarro no sólo proporcionó al inseguro Cézanne el apoyo moral que necesitaba sino que lo introdujo en la nueva técnica impresionista para conseguir los efectos de la luz natural. Junto con Claude Monet, Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein air) de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y 1873, Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. Aunque parecía poseer menos dominio técnico que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo y expuso con ellos en 1874 y 1877. En general los impresionistas contaban con un éxito comercial limitado, y las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable por parte de la crítica. Se distanció de muchos de sus contactos parisinos a finales de la década de 1870 y durante toda la década de 1880 pasó gran parte del tiempo en su Aix-en-Provence natal. A partir de 1882 dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. En 1886 creyó ver referencias a sus fracasos, apenas disimuladas, en una novela de Zola y rompió sus relaciones con él, a pesar de que había sido su apoyo durante mucho tiempo. Ese mismo año heredó la fortuna de su padre y por fin, a la edad de 47 años, consiguió la independencia económica, aunque permaneció en su aislamiento social. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. En ese periodo, aunque continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas.En el 172 aniversario de su nacimiento le dejo la estetica de la manipulación de los colores, temáticas,naturaleza,la vida real y el entorno de la luz que, lo llevo como un visionario a pintar la belleza del impresionismo siendo su máximo exponente.les dejo en este mismo blogs diferentes pinturas del sempiterno y fecundo creador del impresionismo. lic:RENE DAVILA."

LA RUTINA.

LA RUTINA.: " HOY ES LUNES 17 DE ENERO PRIMER DÍA DE TRABAJO Y COMO UN LEÓN HAMBRIENTO DE RESPONSABILIDADES,ME LEVANTO ERGUIDO ARMÓNICAMENTE AUNQUE MI DESAYUNO ES UNA TAZA DE CAFÉ QUE SATISFACE MIS VISERAS. LA MENTE TREPIDANTE ME LLENA DE RESPONSABILIDADES Y COMIENZO CON LA GARANTÍA DE LOS ALIMENTOS A MIS HIJAS,CARGO AL SOL DE RESPONSABILIDADES TANTO FAMILIAR COMO LABORAL Y ANTES DE SALIR DE CASA MIS MÚSCULOS COMO MENTE PIDEN AL CREADOR ALIENTO PARA SEGUIR CADA DÍA CON LA CRUZ DE LA SUPERVIVENCIA Y QUE LAS VENAS LAS TENGA CIRCULANDO DE SANGRE. EL AIRE MATINAL REVIENTA SUS VÉRTIGOS SOBRE MI CUERPO Y ROSTRO DE FORMA PERTINENTE COMO ARMÓNICO,QUE ME EMPUJAN A ESCALAR LAS RESPONSABILIDADES DEL DÍA VENCERLAS Y CUMPLIRLAS QUEDANDO CON LA SATIFACION DEL DEBER CUMPLIDO. EN MI MENTE NO PASA QUE ME ALAGUEN O APLAUDAN POR LO QUE MIS MÚSCULOS Y SENTIMIENTOS REALIZAN,YA QUE LO DEFINO COMO UNA RUTINA MEDIÁTICA QUE DEBO DE CUMPLIRLA DEJANDO LAS ALABANZAS A LOS ESPÍRITUS Y ANIMAS QUE ME CUIDAN Y ME DEFINEN EL NORTE PARA REALIZAR LAS ACTIVIDADES DIARIAS. ALREDEDOR VEO ROSTROS SONRIENTES Y OTROS QUE SE PIERDEN EN LA OSCURIDAD POR TEMOR A DIOS,YA QUE ENARBOLAN PRESAGIOS Y AUGURIOS DE PESTES,QUE NO ESTÁN MI MI RULETA DE RUTINA DEJÁNDOLOS PASAR COMO RÉMORAS QUE SE ALIMENTAN DE LA ENVIDIA,COMO DE LA FALTA DE LUZ EN PERSONAS ALEJADAS DE LAS RESPONSABILIDADES RUTINA LES DEL SER HUMANO. SENTIR LA ERUPCIÓN DE ENERGÍA,DEL SUDOR Y EL ARRUGAMIENTO DE LAS NEURONAS DE NUESTRO CUERPO,POR SENTIR QUE LO QUE REALIZAS TE SATISFACE UN MILLÓN DE NUBE,Y QUE LA JENTE SEPA QUE TU ESFUERZO DE LA RUTINA DIARIA ES COMPENSABLE CON EL DEBER CUMPLIDO, TE LLENA DE SATISFACCIÓN LOS PULMONES Y ME SIENTO REALIZADO YA QUE PUEDO MORIR CON LA SOLIDARIDAD DE LA RUTINA FIEL ACOMPAÑANTE DE MIS ACIERTOS Y ARIDES. SENTIR LA VOZ SUSURRANTE EN EL TÍMPANO AL FINAL DE LA JORNADA,QUE AL DIA SIGUIENTE SE ABRIRÁN LOS OJOS Y NECESITARAS BOCANADAS DE AIRE PARA SENTIR QUE NUEVAMENTE LA RUTINA TE ESPERA, Y QUE ELLA SERA SIEMPRE COMPAÑERA TE ARROPARA EN TU DESNUDEZ Y TE ARRULLARA EN SU REGAZO PROTEJIENDOTE DE LOS MALOS ESPIRITUS. CHINANDEGA 17 DE ENERO 2011. LIC:RENE DAVILA"

FOTOGRAFIA DE PINTURA EN LIENZO.

FOTOGRAFIA DE PINTURA EN LIENZO.: " EL LIENZO ES UNA TELA DE LINO O ALGODÓN QUE SIRVE DE SOPORTE A LAS ARTES PICTÓRICAS. EN EL SIGLO 16 SE UTILIZABA LA MADERA COMO FORMA DE EXPRESIÓN PICTÓRICA DEL HOMBRE ,PERO CON EL USO DEL LIENZO SE FLEXIBILIZO Y ACRECENTÓ LA FORMA DE EXPRESIONISMO PICTÓRICO.A TRAVÉS DEL LIENZO EL HOMBRE A PINTADO LOS GRANDES OLEOS DONDE EXPRESAN EL SENTIR,LA ANGUSTIA, EL TEMOR A DIOS,LA VIDA Y NATURALEZA ,SENTIMIENTOS ,EL AMOR COMO LA CONSTERNACIÓN DEL ALMA SOLITARIA Y ERRANTE. MEDIANTE LA FOTOGRAFÍA PODEMOS ADMIRAR LOS LIENZOS Y PERCATARNOS DE LA EXPRESIONISMO DEL HOMBRE DEL MEDIO QUE LO RODEA. LES DEJO UNA SERIE DE FOTOS DE LIENZOS PARA QUE LO APRECIEN. LI:RENE DAVILA."

FOTGRAFIA DE MUJER.

FOTGRAFIA DE MUJER.: " DENTRO DE LAS BELLEZAS NATURALES QUE NOS REGALO DIOS ESTA LA MUJER. LA MUJER ES BITÁCORA Y PUNTO DE REFERENCIA DE LAS ELUCUBRACIONES ETÉREAS Y DIVINAS QUE EL HOMBRE A TOMADO DEL PARAÍSO, PARA DESAHOGAR LA ESCULTURA Y LA PERFECCIÓN DE LA VIDA . LA MUJER ES LA BÚSQUEDA DEL HOMBRE DE LO MISTERIOSO E INTRIGANTE QUE LO LLEVADO A DESCUBRIR E INTERPRETAR A TRAVÉS DE ELLA, LA BELLEZA Y DIVINIDAD QUE DIOS NOS REGALO Y LA INCERTIDUMBRE DE SABER DE DONDE VENIMOS Y NO SABER A DONDE VAMOS. AQUÍ LES DEJO FOTOGRAFÍA DE MUJERES COMO MUESTRA DEL TRIBUTO A LA EXPRESIÓN DE LA VIDA Y LO MISTERIOSO. NO SE VAYAN DISFRUTEN DE LAS FOTOS DE MUJER EN ESTE BLOGS. LIC: RENE DAVILA..."

LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL

LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL: " LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL ES EL ARTE DE UTILIZAR LA LUZ COMO HERRAMIENTA,PARA EXPRESAR IMÁGENES CON SENTIDO Y SIGNIFICADO.DE OTRA FORMA LAS IMÁGENES MANIFIESTAN UN MENSAJE BIEN ESPECIFICO PARTIENDO DEL CONCEPTO DE LO QUE DESEA LA FOTOGRAFÍA.SE UTILIZAN DIVERSAS TÉCNICAS PARA CAPTAR LAS IMÁGENES DONDE CADA IMAGEN ES UN MUNDO. EN LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL LOS OBJETOS EXPRESAN A TRAVÉS DE LAS IMÁGENES UN MENSAJE DEL MUNDO DONDE SE ENCUENTRAN. DEJO EN SUS MANOS UNA SERIE DE FOTOGRAFÍAS PARA QUE LO DISFRUTEN SANAMENTE. COMENTARIOS EN EL BLOGS. LIC:RENE DAVILA"

FOTOGRAFÍA SURREALISTA.

FOTOGRAFÍA SURREALISTA.: " CUANDO EL HOMBRE QUISO IMITAR LA ACCIÓN DE ANDAR,CREO LA RUEDA QUE NO SE PARECE A UNA PIERNA. DEL MISMO MODO HA CREADO, INCONSCIENTEMENTE,EL SURREALISMO. DESPUÉS DE TODO,EL ESCENARIO NO SE PARECE A UNA VIDA QUE REPRESENTA MAS MAS QUE UNA RUEDA A UNA PIERNA.LA FOTOGRAFÍA SURREALISTA ES PURO AUTOMATISMO PSÍQUICO POR EL CUAL SE QUIERE EXPRESAR VERBALMENTE O POR ESCRITO LA VERDADERA FUNCION DEL PENSAMIENTO HUMANO.DENTRO DE LA CULTURA DE CAPTAR LA IMAGINACIÓN,LA FOTOGRAFÍA SURREALISTA SE A DIVERSIFICADO,YA QUE CON LA TECNOLOGÍA SE A CREADO LA FOTOGRAFÍA SURREALISTA MANIPULADA DÁNDOLE UN TOQUE DE ARTE E IMAGINACIÓN. LOS INVITO A VER DIFERENTES FOTOS SURREALISTAS EN ESTE MISMO BLOGS Y QUE LO DIFRUTEN. FAVOR DEJAR COMENTARIOS. LIC.RENE DAVILA"

LA FOTOGRAFÍA ABSTRACTA

LA FOTOGRAFÍA ABSTRACTA: " LA FOTOGRAFÍA ABSTRACTA SIGNIFICA LA ABSTRACCIÓN DE LA FOTOGRAFÍA Y NO DE LOS OBJETOS CONTENIDOS EN ELLA POR LO TANTO NO EXISTE UNA FOTOGRAFÍA QUE NO SEA ABSTRACTA.LA FOTOGRAFÍA ABSTRACTA ABANDONA DELIBERADAMENTE LA REPRODUCCIÓN DE LOS OBJETOS VISIBLES,APUNTANDO HACIA LA PERFECCIÓN Y LA EXACTITUD DE LAS LEYES FÍSICAS COMO DE LAS MATEMÁTICAS.LA ABSTRACCIÓN EN LA FOTOGRAFÍA A EXISTIDO DESDE EL NACIMIENTO DE LA FOTOGRAFÍA REPRESENTANDO UN LENGUAJE AUTÓNOMO QUE SE DEBE A ENSAYOS CASUALES A BÚSQUEDA DE TÉCNICAS Y EXPERIMENTANDO CON LA LUZ,COLORES,MOVIMIENTOS,EL VIENTO,CON EL AGUA TENIENDO EN CUENTA QUE LA ABSTRACCIÓN ES UNA INCÓGNITA CON SU PROPIA REALIDAD SIENDO UN ACERTIJO METAFÍSICO VISUAL.LES ACONSEJO NO ABANDONAR ESTE SITIO Y DISFRUTEN DE MI BLOGS DE FOTOGRAFÍAS MEGABSTRACTAS.LIC:RENE DAVILA"

FOTOGRAFÍA WALLPAPERS

FOTOGRAFÍA WALLPAPERS: " LA FOTOGRAFIA DE WALLPAPERS ES OBTENIDA MEDIANTE UN PAPEL TAPIZ LA QUE PRODUCE UNA IMÁGENES CON ICONOS LOS CUALES SE COLOCAN EN EL ENTORNO GRÁFICO DEL SISTEMA OPERATIVO.PARA OBTENER ESTAS FOTOGRAFÍAS VIRTUALES SE NECESITA UN PROGRAMA DE INFORMATICA Y VALIENDOSE DE IMAGINACION,CREATIVIDAD,APROBECHAMIENTO DE LA LUZ ABSTRACTA,ILUMINACION Y PERICIA SE PUEDEN OBTENET LINDAS FOTOGRAFIAS ETIQUETANDO ESTA ACTIVIDAD COMO UN ARTE DENTRO DE LA RAMA FOTOGRAFICA. LOS INVITO A DISFRUTAR DE ESTAS FOTOS EN ESTE MISMO BLOGS.LIC RENE DAVILA"

FOTOGRAFÍA MANIPULADA

FOTOGRAFÍA MANIPULADA: " La era digital a traído como consecuencia nuevas posibilidades para expresar imaginaron y creatividad en la fotografía.La evolución de la informática y digitalizacion de la fotografía hicieron que la fotografía tradicional y rígida multiplicara por necesidad y demandad,otras ramas que satisficieran el desarrollo de la cultura contemporánea.Al trabajar con software la fotografía se puede crear lo inimaginable,y nos lleva a dimensiones de alterar las leyes fisicas de los objetos del contexto dando lugar a la "FOTOGRAFÍAS MANIPULADAS" el cual es un arte de creatividad e imaginación mas la tecnología.LES RECOMIENDO VER EN ESTE BLOG MUCHAS FOTOGRAFÍAS MANIPULADAS DE ARTISTAS DE ESTE ARTE.LIC RENE DAVILA"

NATURALEZA MUERTA-BODEGONES.

NATURALEZA MUERTA-BODEGONES.: "El bodegón o naturaleza muerta es una obra de arte que representa objetos inanimados,generalmente del medio que nos rodea que pueden ser(animales,comidas,frutas,frutas,conchas,plantas,rocas etc) o hechos por el hombre(utensilios de casina,mesas,monedas,joyas, antigüedades etc). Los orígenes del bodegón son desde la antigüedad y muy popular en el arte occidental a partir del siglo xvii. El bodegón da al artista mas imaginación,creatividad y libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje y los retratos. TE RECOMIENDO VER LAS FOTOS DE BODEGONES EN ESTE MISMO BLOG DE FOTOGRAFÍAS DE BODEGONES."